Art Basel 2025 日前重磅回归！香港展会中，云集了全球超过 250 间顶尖画廊，带来破纪录的艺术盛宴。从沉浸式数位艺术体验到传统媒材的创新演绎、从新锐艺术家的颠覆之作到艺坛大师的经典力作，今年展会精彩纷呈，展现出当代艺术的无限可能。
编辑为大家精选八大必看焦点，带你洞悉全球艺术脉动，掌握艺术先机！


法国当代艺术家 Philippe Parreno，以跨媒体创作闻名，作品横跨雕塑、绘画、影像和表演艺术等多元领域，持续探索现实与虚构之间模糊的界限。这半空中游动的小鱼悬浮装置，是受到 Andy Warhol 的《Silver Clouds》所启发而创作。过去，他的作品《Voices》（2024）曾于慕尼黑艺术之家（Haus der Kunst）展出，展现了艺术家对人类、科技与自然关係的深刻思考。
作品不仅展现了 Philippe Parreno 对前卫科技的运用，更体现其对人类、科技与自然间建立同理桥樑的尝试，为当代艺术开创了新的可能性。


香港风景画家黄进曦（Stephen Wong Chun Hei）近年专注于写生，并融入想像，从而探索人与自然的距离与关係。这次他在 Art Basel 就分别带来了《倒数日常：彗星与赤柱的黄昏》（2025）、《大潭笃水塘：明月排洪夜 Tai Tam Duk Reservoir under a Full Moon》（2025）和《湾仔的动与静》（2025）三个作品，遍布在 Art Basel Hong Kong 展场内。
其中，他为「日月星」酒吧创作了一组名为《湾仔的动与静》的巨型电绘作品，约 4 米阔、3 米高的外墙画作，巧妙地呈现了湾仔区的双重面貌。可见画作将湾仔的地标建筑融入金马伦山，透过山路引领观众从现代化的会展中心，渐次走入蓝屋、和昌大押、旧湾仔邮政局等历史建筑群；另一幅则描绘了一艘天星小轮在星空下航行的宁谧景象，象征着维港日与夜的流转。
这组作品不仅展现了艺术家对社区历史的深刻理解，更体现了香港传统与现代共存的城市特色，而他也邀请观众从这些视角重新发现和感受香港的独特魅力。


香港艺术家麦影彤二（Mak2），以曾于 2024 年巴塞尔艺术展「艺聚空间」展出的 7.5 米高 装置作品 ——《复製中的复製中的复製中的复製》而为人熟悉，对艺术世界、创作过程以及自身作为艺术家的身份进行了创造性的审视。今年，她展出一系列全新布面三联画 ——《美好家园后花园》，演变自其经典作品《美好家园》系列，联同一款关于价值、大众验证和市场阶级的电子游戏，并自居为其绘画作品之幕后。
而这次在游戏中，她再次探讨了关于艺术价值的话题：当大家在游戏中掘到的金，就会帮这幅画增加了价值，藉此反映艺术世界与社交媒体的关係。


香港艺术家周俊辉展出的《Interview the Interviewer II》系列作品引起关注。这系列作品以新闻图像为基础进行二次创作，将媒体影像转化为绘画作品，体现艺术家对新闻事件的独特诠释。
其中最受瞩目的作品描绘了一个历史性时刻：已故前国家主席江泽民对香港记者说出「too simple, sometimes naive」（想法太简单，有时幼稚）的场景。透过将这个广为人知的新闻画面转化为艺术创作，周俊辉不仅记录了这个特殊的历史瞬间，更探讨了媒体、历史与艺术之间的复杂关係。
这系列作品反映了艺术家对新闻媒体、历史记忆与社会现象的关注，通过艺术创作重新审视这些重要时刻，为观众提供了一个重新思考媒体影像与历史叙事的机会。


生于香港、现居纽约的艺术家 Paul Chan，以多元媒材实践其艺术、哲学与政治理念。他深谙古典文学、批判理论与 90 年代嘻哈文化，自 21 世纪初便在作品中注入荷马式的「机智」特质，透过视觉与文本的交织对话，推进美学与论述的相互发展。
从早期网路计画、录像装置《My birds… trash… the future》（2004）到《The 7 Lights》（2005）的光影动画，Paul Chan 展现出独特的创作语言。2009 至 2014 年，他曾暂别艺术创作，专注于经营 Badlands Unlimited 出版社，出版超过 50 本艺术家与哲学家着作。直至 2014 年重返艺术界后，他以「呼吸者」系列闻名，这些由电扇驱动的尼龙物件，展现他所谓的「机遇性艺术」概念。
2022 年获颁麦克阿瑟天才奖的 Paul Chan，作品已为全球重要美术馆收藏，其创作持续探索形式与内容的多重可能。


韩国新锐艺术家申旻（Shin Min，1985 年生）在 Art Basel 的「Discoveries」单元展出全新装置作品，并入围首届 MGM Discoveries 艺术奖三强。
申旻的创作根植于她在跨国连锁餐饮业的亲身经历，以废弃薯条包装为媒材，创作出一系列戴着黑色髮网、身着制服的女性劳动者雕塑。《Usual Suspects》系列从「为何我们觉得头髮令人厌恶？」这个问题出发，探讨韩国服务业的女性在「卫生」之名下被严格规范的身体控制，如一定要束起头髮；而《Semi（世美）》系列则取自她在星巴克当店员时的暱称，「Semi」在英文中意指「一半」，在汉字中则为「美丽的世间存在」，藉此反思韩国女性劳动者既不被尊重为女性，也不被尊重为劳动者的处境。
申旻说，每个角色都有其名字，而其挣拧、不满的表情亦暗示了韩国女性的挣扎和压抑，而这些无从表达、改变的社会状态，透过层层迭加的纸张创作和富有张力的注视，一一揭示了性别、阶级与劳动之间的复杂关係。



来自日本的插画家、艺术大师 Hajime Sorayama（中：空山基｜日：そらやま はじめ），自 1971 年起便作为独立插画家开始创作，而他所描绘具情色性和金属质感的「性感机器人」在世界各地广受好评。他还设计了由 SONY 开发的娱乐机器人「AIBO」。
Hajime Sorayama 一直致力突破传统绘画的表现界限，并以「光」、「反射」和「透明」为核心创作理念。正如他所言：「要描绘光，必须描绘空气；要描绘空气，必须描绘透明；而掌握反射的表现则是关键。」这种对视觉表现的不懈追求，使他的作品如同达文西的晕涂法或印象派的点彩法般，开创了崭新的艺术语言。去年，他还举办了大型回顾展「光、反射、透明」，展出横跨 1970 年代末至今的代表作品，包括 1978年威士忌广告的首幅机器人画作、Aerosmith 专辑封面的标誌性女性机器人，以及最新的机械恐龙与独角兽系列。另外，为 Dior 2018 年时装秀打造的 12 米高铝製机器人雕塑也同场展出。
Hajime Sorayama 笔下的机械生命体，不仅展现出有机生命与机械文明的融合愿景，更引发我们对人类智慧、身体与时间本质的深度思考。


作品《Valentine》呈现了一个令人不安的空洞人像：一位身着时尚服饰的年轻人，蜷缩着身体，面容隐藏在垂落的髮丝后，与周遭世界完全脱节。这个形象象征着在科技洪流下失落的一代，他们逃离现实，潜入虚拟乌托邦。
在这个以「讚」和「能见度」量化一切的时代，萤幕几乎取代了实体经验：社群媒体上的快乐、一键分享的愤怒、线上行动主义、虚拟购物与数位社交，成为生活的主要内容。艺术家透过这件作品，直指科技发展下人类主体性的衰退，并揭示被演算法和变异慾望驱动的社会图景。
作品挑战科技进步的乐观论述，促使观众思考：在人工智能和数位操控的时代，我们是否正逐渐失去真实的生命力？