第十届 Art Central 日前在中环海滨活动空间掀开序幕，云集了来自全球各地的顶尖画廊与新锐艺术家，为期五天的展览，再次成为城中热门活动之一。

或许日前的抢先预览 ，看得不够尽兴，现在便为你带来观展攻略！
今年，Art Central 不仅延续其发掘新兴艺术力量的使命，更大胆探讨当代社会议题。从委内瑞拉艺术家Eduardo Enrique 挑战品牌权力的大型装置、艺术家 Roxane Revon 融合童年记忆的创新作品，再到 Reen Barrera 对生存本质的哲学思考，皆呈现出多元而深刻的艺术对话。在 108 间画廊中，编辑私心挑选出十个必看亮点，推荐大家在云云作品中，仔细感受各艺术家的独特诠释！


香港艺术家唐纳天受委约的大型装置作品《A Brazen Rift (After Branzi)》，作品灵感源自 1960 年代义大利建筑大师 Andrea Branzi 对现代主义建筑的革新思维，重新诠释其去中心化的城市愿景，亦巧妙地向其致敬。唐纳天透过对建筑图纸的解构与重组，将 Andrea Branzi 的二维视角转化为立体装置，探讨建筑蓝图作为空间想像媒介的可能性；而这件场域特定作品巧妙呼应展会人群流动，同时反映城市生命力，展现艺术家二十年来对视觉图像的持续探索。


这件大型混合媒介装置以艺术家 Roxane Revon 童年的私密照片为起点，展现出一段关于人与自然共生关係的视觉叙事。作品将活体菌丝、根系等自然元素与摄影艺术巧妙融合，创造出一系列渐进式的视觉变化。
从最初清晰可见的人像，到被自然物质逐步侵蚀与包裹，最终转化为抽象形态，整个过程完美诠释了生命循环的奥妙。在策展人 Aurore Vullierme 的策划下，作品深刻展现了人类与地球之间那份不可分割的共生关係，以及万物与土地的永恆连结。


委内瑞拉艺术家 Eduardo Enrique 展出大型装置作品「All-American Performance」，透过 351 根球棒和未经授权使用的「Swoosh」标誌，深入探讨意识形态、竞争与当代逆境的交汇点。
作品更巧妙地引用了《诗篇》第 35 篇开篇，藉此批判信仰武器化的现象，并揭示西方品牌如何超越商业层面，深植于权力和文化主导结构中。展场内，两幅由马来西亚艺术家Teebai执笔的大型壁画，以「GOD」和「EVIL」的重塑标誌，进一步质疑竞技运动中的二元对立。
这件作品挑战品牌中立的假象，揭露了经济体系中文化工具化与系统性不平等的矛盾。


香港艺术家 Kazy Chan 透过重塑儿时的床头板，创造出一件融合过去与现在的独特装置艺术 —— 作品正面布满岁月痕迹的旧贴纸，那是 Kazy 用天拿水、花了很长时间，把贴纸上的颜色逐一仔细抹掉的成品，见证着他的童年时光；背面则由回收的柜门重组而成，再配以贴纸痕迹营造出白云，如同「TOY STORY」裏主角的房间，也充满岁月的感觉。
而柜门上大胆鲜明的创作与褪色贴纸形成强烈对比，象征现在与过去的对话。这件作品不仅展现了Kazy 的个人回忆，更邀请观众重新审视自身的成长经历，思考创意在生命中留下的永恆印记。


钟孟宏是着名的导演、编剧暨摄影师，担任摄影工作时化名为「中岛长雄」，曾凭《大佛普拉斯》获得金马奖最佳摄影；而他的作品更是涵盖广告、MV、纪录片和剧情片，亦曾二度获得金马奖最佳导演奖。
这是他在香港 Art Central 首次展出其摄影作品，而钟孟宏的摄影之路可追溯至大学时期。2008 年起，他开始以「中岛长雄」担任电影摄影师，近作《瀑布》、《余烬》更以本名掌镜；2021年，他出版摄影文字集《我不在这里，就在往那里的路上》，展现其独特的影像美学。
此次展出的作品，延续其细腻的影像风格，捕捉日常生活中的诗意瞬间 —— 从家乡景致到土耳其街景，每幅作品都呈现出钟导独特的视角，将平凡景象转化为充满张力的视觉叙事。


细江英公（1933-2024），是二战后日本摄影界最具影响力的创作者之一。他突破传统纪实摄影的框架，以独特的黑白影像语言，探索死亡、情色与人类心理深处的幽微。其作品不仅展现出强烈的个人风格，更蕴含深刻的哲学思考。
作为一位跨界艺术家与文化推手，细江英公与三岛由纪夫、土方巽等文化界重要人物的合作，开创了摄影与文学、表演艺术及电影之间的创新对话。1968 年，他策划展览引介西方摄影大师作品，为日本摄影界注入新的视野，同时培育了森山大道等新生代摄影家。
细江英公的创作融合了日本传统与现代元素，以独特的构图手法和充满张力的视觉语言，不仅重新定义了战后日本摄影的美学风格，更深刻影响了整个日本当代文化景观的形塑。

英国艺术家 Phil Shaw 以其超写实的书架影像作品闻名于世。这些作品不仅视觉震撼，更蕴含深刻的概念内涵。每幅作品都巧妙运用真实书名，透过特定排列组合讲述童话故事、重现伦敦地铁站名，或隐藏莎士比亚独白，展现出数位时代中印刷文化的转变与可能。仔细看，会发现每一本的书名都是在回应前一本（从左至右看）。
Phil Shaw 的创作技法独树一帜，融合绘画与摄影的特质，以数位建构手工绘製的影像，再以高密度水墨印製于精緻的 Hahnemühle 纸上，呈现出惊人的色彩层次。2020 年疫情期间，其作品《Shelf Isolation》更引发全球关注，成为一种文化现象。而其作品常见于皇家艺术院展出，并为英国政府艺术收藏等重要机构收藏；2013年，他更受时任首相卡梅伦委託，为 G8 峰会创作纪念作品，展现其艺术影响力。


艺术家 Eisa Jocson 的装置作品《Becoming White》（2018-2020）透过白雪公主的形象，探讨移工情感劳动的复杂面向。这件曾在 2018 年曼谷双年展及菲律宾文化中心展出的作品，结合表演、檔案材料、影像与声音装置，深入探讨全球化下的种族与劳动议题。
作品以香港迪士尼乐园的菲律宾籍工作者为研究对象，揭示他们在日常工作中被要求展现的「快乐」表演。这些移工往往被排除在主要角色之外，只能扮演狮子王中的斑马、小美人鱼中的珊瑚、泰山中的猴子等配角，展现出职场中隐含的种族歧视，希望能让人们反思当代社会中劳动与身分认同的复杂关係。


艺术家 Reen Barrera 透过其标誌性角色 Ohlala，以及象征生命挣扎的 Duge 和 Tori，深入探讨人类面对未知的恐惧。在 Reen Barrera 眼中，这份对未知的恐惧并非单纯的障碍，而是经验淬炼而成的一种生存技能。
作品探索命运与自由意志之间的张力，将恐惧诠释为求生本能与成长动力。Reen Barrera 藉由这些角色的旅程，展现人类在不确定性中寻找生命意义的永恆课题，让观众重新思考生死之间的种种可能。


艺术家戴莹的大型装置作品《神庙 2》，是由 Yiwei Gallery 于「异体」专题中呈献的作品。整体以红色宣纸构筑出一个象征女性子宫的神圣空间，透过动态的圆形与圈状图案，创造出充满生命力的视觉语言。
作品不仅探讨子宫作为孕育生命器官的基本功能，更将其提升至万物之源的哲学高度。观众被邀请走入这个极具意涵的空间场域，透过亲密的空间体验，重新连结出生经验中的身体记忆，反思生命存在的本质。《神庙 2》是一场视觉与空间的诗意对话，颂扬女性特质与生命循环，展现了艺术家对生命本源的深刻思考。